green Cookie

是餅乾

好喜歡這種超綠的餅乾. 顏色超綠的. 看起來很像在吃草. 呵

不是抹茶呢

薄荷餅乾

吃起來是薄荷味. 涼得很提神.
因為太可愛以至於帶回家拍一下再吃掉.

瀞月教授下午課請的. 因為她看人的頭有點缺氧的感覺...
覺得教授是個妙人...用像讀書會方式上課每個人都要討論......理論感覺比較貼近自己
尼采的英文本 談藝術即救贖 Art as Redemption
沒有想到尼采寫的東西沒有想像中深澀
討論辯證藝術的兩個典型 日神與酒神

又謝德慶的"籠"行動 偏向的是? 也許仍是酒神
將兩種不同的傾向的統合起來 可以是有縫隙的聯合

尼采如此推崇酒神.能是一種對生命的熱情而非冷漠?
是一種發於內的
而尼采究竟要救贖什麼?

現代是全球化精神下..而十九世纪的尼采推崇的藝術高於科技
藝術又能給予何種救贖?

文章讓我突然想到 實存的世界其實是幻象
正如我們有時覺得夢境栩栩如生. 但我們知道那是幻象.
而現實空間中在時間流動中建構的是:當下是實體
而經過後如幻象般 . 只有耐人類感知之後才應如是

"精神才是而一切不變之物──為象徵".....<查拉圖斯特拉如是說>

結果今天別的心得是第一次有看到這麼綠的薄荷餅乾:)

感知?

鄒婷學妹之前策展寫過: 瞎子問你是否有兩隻手? ---- 我們卻用看的來確定這件事 !!

值得玩味

先前在實踐音樂系主修鋼琴的盲生身上可以看到------他可不靠什麼加分

而是術科甄試上實踐音樂系的

他擁有--絕對位置的感受-- 絕對的音感--- 也是第六感的一種

我也相信他使用--- 觸覺與 靈敏的聽覺來對應周遭

梅洛龐帝關於塞尚之論

梅洛龐蒂在＜塞尚的疑惑＞的探討之核心概念

一、表達方式之同質性梅洛龐蒂認為視覺藝術的傳統表達方式採取的是「幾何式視野」

（geometricperspective）

或「攝影視野」（photographic perspective；Merleau-Ponty, p.14），

例如單焦視點的攝影作品與單點透視的繪畫作品，遠處的物體顯然小於近處的物體。

塞尚繪作不然，塞尚同樣也察覺到這個道理，在畫作＜穿紅衣服的塞尚夫人＞（1890-1894）

或＜坐在搖椅上的塞尚夫人＞（1889-1890）中，塞尚夫人背後牆上兩側的壁紙，

呈現出不同的高度，不能連成一條直線，對我們的「理智」而言，這樣的偏斜似乎是敗筆，

其實塞尚是告訴我們：肉眼所見並不像我們想像中幾何學上完美的線條與形狀。

塞尚的繪畫觀可以從格式塔心理學獲得類似驗證，例如兩條等長互相垂直的直線，

我們卻感覺垂直線比水平線長。因此，塞尚要讀者用肉眼的原初知覺去觀看他的畫，

如此一來，那些偏斜或變形就變得極為自然，不至於令人感覺突兀或奇怪。

對於真實世界的知覺其實並不像在繪畫或攝影等平面作品中呈現的那樣規則，

同樣的場景在真實知覺與攝影作品中相較，

真實知覺的遠處景物比攝影作品中呈現的要大上許多

，觀者反而可以從中獲取「蘊含豐饒的無盡真實性」

（aninexhaustible reality full of reserves Merleau-Ponty, p.15）。

因為塞尚揭示出真實生活世界的多變遊移，

人們在日常生活中的知覺是「活的視野」（lived perspective），

並非規律而整齊的幾何視野。從「活的視野」觀看世界，

顯示出塞尚繪畫嘗試對自然與物體進行更真實的理解與掌握，

因為在真實的觀察情境中，人的視點是不斷動移的，

因此固定視點的透視法並不能把握真實的自然，只是在模仿自然。

梅洛龐蒂認為塞尚的作畫方式正是現象學方法，被稱為「現代繪畫之父」的塞尚，

在繪畫史上具有舉足輕重的地位，

他將繪畫從寫實帶入「抽象的、辯證的、二向度的面性特徵。」

書籍After the End of Art: Contemporary Art and The Pale of History當代藝術與歷史藩籬

亞瑟‧丹托（Arthur C. Danto）著，林雅琪、鄭慧雯譯

小型書摘 :

葛林伯格的敘述體系及其藝術批評一. 現代主義藝術出現的藝術歷史溯源。丹托認為，模擬再現技巧的純熟精通是促成藝術敘述進入一個新的層次的原因之一，藝術因此開始對其自身進行本質上的思考。(p111)

二. 現代主義繪畫的內涵。也就是「藉由將繪畫畫入繪畫的努力，來陳列出繪畫藝術的本質」(p109)，葛林伯格以康德這位「對批判工具加以批判的哲學家」來突顯出現代主義「運用某學科的獨特方式來批判該學科本身」的精神，因此繪畫就應該以繪畫本身所不可替代的特質來對繪畫本身進行自我批判，也就是說繪畫的主題就是繪畫本身，在此邏輯發展之下，繪畫將臻於純粹，只呈現屬於其本質的元素，藉以發掘其自身的哲學本質，對於葛林伯格而言，現代主義藝術就是試圖透過自身來為藝術提供哲學定義。(p109~111)

三. 現代主義繪畫如何實踐。葛林伯格認為必須表現繪畫藝術的本質，也就是繪畫的物理性質——形狀、顏料、平面，在這裡，他強調了媒介在繪畫中所扮演的重要角色，媒介是否能在繪畫中被看見是辨別現代主義繪畫的主要標準，而媒介在繪畫上則多以筆觸的形式出現，此外，平面性也是葛林伯格強調的繪畫本質之一


重點:
---------葛林伯格此論述裡--不臻完善
作者提出在葛林伯格的影響下
藝術評論無法處理---恩斯特 Max Ernst / 杜象 /傑克梅第 Alberto Giacometti /甚至畢卡索的部分作品-------葛林伯格將超現實主義 --放在歷史藩籬之外--將超現實主義一筆帶過




其錯誤的就是 1. 將繪畫等同於藝術
2.葛林伯格的 " 唯物主義 " ( 唯物論的)美學 --過度強調藝術媒材特質
放在現今的新媒體藝術--也過於強調影音的一些物理特性 (批判性反問?)

唯物論美學---使藝術---放棄使繪畫顯的真實的技法----等同遠離了幻覺---
膨脹了物理性媒介媒材的特質

於是可以看到 1960之後許多評論方式

不在關心如何詮釋作品內容---而轉變為作品本身就是什麼? 以何種東西所組成?

----相較於瓦薩利式繪畫-----抽象表現主義繪畫顯得越與現實脫節----越陷落藝術 裡-----
另一股反動而形成普普
(葛林伯格史觀和評論方式也反對普普藝術.......)


後繪畫性抽象畫派 .....

身層---深成 策展論述 學妹鄒婷的

身層---深成

策展論述 鄒婷

「瞎子問你是否有兩隻手，你卻用看的來確定這件事」尚－盧．高達（J-L Godard）

-

　對於事物的本質，你我是否已失去最原始的理解與判斷，甚至連自身，自身的雙手如是？

這並非擁有雙眼造成的窘境，而是眼見即所見的慣性。

關於手的問題，在看過之後當然能獲得與事實相同的結論，但生活中的其他呢？

今日生活如此，資訊的接收是即時且速食的，但慣性的快速接收之後，

常轉變為麻痺與盲從。

無意間讀到「瞎子問你是否有兩隻手，你卻用看的來確定這件事」這句話，

我將其做為上述的狀態的呼應，在今日，人們似乎缺少某種「什麼」，

卻保有懷疑的潛意識，我想那個「什麼」，是對於事物的獨立思考，

關於這個當下的你我、生活…。

這並非叛逆青年的自白，而是企圖建立一個對於當下思考反應的新模式，

後置於創作之中。本次展覽有12個創作者，12個自成的面向，

皆是對於現世的思考──新的思考。

呈現出一種多重的存在，接收訊息內化釋放後的存在。

　　身層，意指透過身體的多層次感知，

在虛與實之間，或許具象或許抽象或許無象……而後深成，於作品之中，

同時於自身之中。就如同展覽的副標，「這不是一個什麼，而是一個如何」，

對於自我的提問從「這是什麼」？「什麼生活」？

轉為「是該如何」？「如何而在」？那麼，如何呢？

^______^

最近南海藝廊的展

北教大

暑假裡南海藝廊的展



06/03-07 我想存在在你的存在的速度之中 (蔡昌霖個展)

06/10-14 追逐中的痕跡遊戲（洪雅純 個展）

06/20-07/05 時代破褲、口袋炸彈（羅智信個展）

06/22-07/11 & 07/25-08/16 解剖課：身體再衍藝（聯展）


我想存在在你的 存在的速度之中 I want to exist in your existence of velocity

2009.06.03-06.07　 蔡昌霖 個展Tsai Chang-Lin Solo Exhibition
我思考著來自外在速度與自我內在的關聯，如何通過影像這個非物質的創作，在時間進行中產生某些變化，影像不只再現為某段時間經驗或某種符號的同時，經過轉化後也又開展了自我一些自己都不瞭解的面向，這兩者之間常因為影像而不再區分這麼清楚，形成一種意義結構上的更動或破壞，觸及感覺的原始愉悅。速度像是站另一種角度來審視自身，怎麼回到自身，在此影像超越我們自身對於速度的認知，且操作影像不僅作為支撐表達主體意念的技術，當代影像化的世界還形構了人對於存在結構上的改變，又彼此交錯影響著。因此，當我們不再去用客觀時間來衡量速度感，速度感是不存在的。它應該像一種狀態，當速度是被人發現逝去的時間軌跡才有意義時，這裡的速度決定了時間，又消失在時間裡，要癱瘓或者是停頓（終止）這種狀況，如何打開經驗影像的感知方式，去聯結到另一種屬於自己的認知的結構。


追逐中的痕跡遊戲 To Chase The Tracing Games
2009.06.10-06.14 Duration洪雅純 個展Hung Ya-Chun Solo Exhibition茶會：2009.06.13 Sat. 17:30 Reception與會：黃海鳴、一些朋友及路人
創作者在日常匆忙的時空移轉中，透過攝影機具體現新的視域觀點，利用穿透與多重視點的交錯，呈現一種追逐狀態中的錯速感！經由影像內容同步與前後並列的關係，開啟視域的多元與疊合，甚至觀者移動身體的感知動態，讓影像也穿透身體成為一種在場的媒介！ 除了追逐著一種多重的速度視域，創作者更經由不同的身份轉換而顯示存在的痕跡，這樣的追逐是在追著自己或他人？或在追著一種活著的認同感？在追逐過程中逐漸解體與斷裂，中性化的影子成了自我認同的一種身份痕跡，光影的留痕在被切割的身體局部上，試圖傳達隱匿似言說的訊息，呈現一種焦慮情緒的痕跡遊戲。


時代破褲、口袋炸彈 the shape of a pocket
2009.06.20-07.05 Duration羅智信個展Luo Jr-Shin Solo Exhibition茶會：2009.06.20 15：00 Reception座談：2009.07.05 15：00 Discussion主持：黃海鳴與談：羅智信、牛俊強、余政達、李孟杰延伸閱讀：羅智信－對身體感知的重新召喚文／湯凱鈞
從攝影、立體雕塑、錄像藝術到影像裝置，羅智信對於形式材料的使用多元，展現出此展覽的豐富性與變化性。這幾件作品彼此看似可能片段，但連貫的作品概念像是某部小說的各部細節，使得觀者在參與的過程當中，對於展覽能夠串連起一個整體和完整的理解和想像。這些作品皆大量使用現成物創作。其中包括了：棉被、床墊、腰帶、牛仔褲、牙膏、照片、手套、布料。 這幾件物品對藝術家來說皆有其特殊的意義，藝術家使用它們來表達出對於身體的想像、個人空間的延伸、夢與現實的模糊之境。對於藝術家來說，現成物件的使用和對於微觀世界的觀察其來有自，這些生活場景的片段都來自我生活的細節與體悟。藝術家相信人的生活便建立在這些微小之物上，那些片刻的稍縱即逝或是靈光乍洩的剎那都形成一個獨立的世界。那世界或許容易被忽略，但它們的確存在並影響著我們的生活。藝術家的工作，便是企圖捕捉並型塑那微小的世界，從個人的生活想像出發進行創作，表現出一般性的共通感受，進而使得觀者了解他的思維與創作觀。
解剖課：身體再衍藝 The Gross Anatomy Course: Body [re:]Mix
2009.06.22-07.11 覓空間2009.07.25-08.16 南海藝廊策展：周家輝、葉家銘參展：施懿珊、張敏智、陳長志、趙璐嘉參展：Yannick Dauby (澎葉生)、蔡昌霖參展：、鄭宇翔、簡郁茜、藍元宏 參展：(依據姓氏筆劃順序) Blog:http://anatomy-bodyremix.blogspot.com/ 主辦：聲體空間協辦：洪建全教育文化基金會 覓空間協辦：覓空間、國立台北教育大學 南海藝廊場景一覓空間 2009.06.22-07.11開幕：2009.06.20. Sat. 19:30時間：週一至六 10:00-17:00 週日不開放地點：洪建全教育文化基金會 覓空間 地址：台北市羅斯福路二段9號12F之1電話：(02)2396-5505 http://www.hfec.org.tw/
場景二南海藝廊 2009.07.25-08.16開幕：2009.07.24 Fri. 19:30座談：2009.07.24 Fri. 19:30與談：林志明、姚立群、高榮禧、黃海鳴、羅智信 時間：週三至日 14:00-21:30 週一、二不開放地點：國立台北教育大學 南海藝廊地址：台北市重慶南路二段19巷3號電話：(02)2392-5080 http://blog.roodo.com/nanhai/
切開皺摺的皮層，結果是無聲的姿態，生存的謊言，還是高明的偽裝？Cutting open the wrinkled skin, what we get is a silent bearing, a lie to survive or a wise disguise？ 「解剖課：身體再衍藝」源起於一項單純的意念：當家銘隨侍在他罹癌的母親身旁時，側身觀察到她生理指數的衰敗，以致她耽溺於自我身體意義的無窮追索。面對死亡，肉體何其脆弱，生命又何其可貴。然而在此醫學與科技勃發的年代，究竟身體經歷生老病死的必然階段後，還保有何意義？當延續生命與維持體態成為當代醫學科技爭相發展的趨勢，當代藝術家會選擇如何回應？本展覽從身體意象的再現，試圖從當代社會文化中所建構的視覺符碼、意識形態與內在的異化，從現實世界的象徵符號層，透過身體感官的經驗掀起一層迷霧來認知自我當下。我們結合台灣各地的藝術家與旅台的法國藝術家共九位，經由各種藝術媒材，如錄像、聲音裝置、攝影及平面繪畫來進行另一種「解剖」，提出另一層詮釋與觀看身體異質性的思考。經過多元化的藝術表達形式回返自身對於身體經驗的體悟開始與醫學、科學對話，在生命幽微之處、眾聲喧嘩之際，這次我們交出麥克風，讓「身體」自己來說話吧。
<策展人／周家輝、葉家銘>

阿多諾(Theodor Wiesengrund Adorno) 簡記 das Andere

Adorno主要美學著作有<齊克果:美的構造>(1933),<現代音樂哲學>(1948),<新音樂哲學>(1949),
<音樂社會學導論>(1968),<文學筆記>(1966~1969),<美學理論>(1970)等

(<否定的辯證>)
事物總是不斷地走向反面,沒有什麼肯定”矛盾地思考矛盾“
藝術應當做為中介參與對社會的批判,造成”震驚”的效果,使被現實壓抑的麻木心靈恢復人性

美學理論>藝術與反藝術
藝術是不同於現實的異樣事物(das Andere)-異在
“藝術是對於社會的反題,是不能直接從社會中推演出來”

-即藝術為對既定現實的否定,是與現實進行爭鬥的實踐方式.
“藝術揭穿了藝術為了自我而生產的謊言

反藝術是社會變遷的產物,現在社會的全面異化是反藝術的直接根源
“堅持自己的概念,排拒消費的藝術,過渡為反藝術

文化工業(culture industry)
文化工業一詞起源於Adorno與Horkheimer合著的<啟蒙的辯證>一書
反對大眾媒體包裝文化,以藝術手法去兜售或大量複製產品,使技術的可複製性成為

後資本主藝的文化經營原則
這種純美學或將美感對象生殊化(defamiliarization)的文本政治是

因應現代社會急遽工業化及商品化的傾向


阿多諾的”星叢”(Constellation)
沒有一個孤立的概念能把握住藝術的理念”
藝術拒絕被定義,因為他是不斷發生的歷史變化的星叢
<否定的辯證>中的”非同一性哲學

詩的必要條件

加勒比海的詩人渥克特（Derek Walcott）說：

批評精神，是詩的必要條件。

詩人對社會的專注審視和他對自我的專注審視是一樣的。

因此，他必定會在自我和社會裡看到缺陷、罪惡、錯誤、背叛。他們無法歌頌社會的完美。

方法的科學性?

藝術批評 無論書寫還是閱讀時

謹記

方法的科學性

並不代表 我們對美學有深層的認識

英國評論者Julian Stallabrass的近期評論文章Truth or Dare

在〈90年代驚鴻一瞥 從YBA、猜火車之後，到當代的藝術創作策略〉一文中所提及英國評論者Julian Stallabrass的近期評論文章Truth or Dare，

也同樣在探討英國當代藝術中這個面向的發展。

如果Julian Stallabrass意識到了國際氛圍的轉變進而影響英國當代藝術創作者

，
那麼同樣的全球化語境下 ，我們如何檢討台灣當代藝術在這十年間所處的階段如何？

這麼思考，前題是承認全球化潮流的不可抗拒，對話的迫切性（其實是逼著你要表達）。

如何表達，或許也可以說是「文化想像企圖心」。

從911事件以後，當代藝術的集體政治意識型態（以反美霸權為主，

進而連帶的談論階級、 消費、媒體、論述的西方中心主義）

如何與後殖民、多元文化的論述脈絡交會，產生新的文化辯證關係，

已是這一波當代藝術中最受關注的面向。

從邊緣區域不斷地「試圖描述自身」的階段，到「說出觀點」，

是從掌握發言權到辯論的場域，這應該是目前我們最該思考和實踐的。

瞭解世界，然後─文化企圖心要大一點。

說回台灣的迷離，我們總會說，有主流才有非主流這種「相生」的邏輯。

或者，近年來更明確地說，沒有了具體的（或沒有意識到）反抗或懷疑對象，

也因此另類、非主流的場景也相對薄弱。這碎散的年代，套一句jeph以前說的（頗為反諷），

「沒有霸權，何來顛覆？大家都是小矮人」想想我們這個時代啊～是否真只是這樣呢？